Última actualización: · Por Stanislav Arnautov · Berlín
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El japonismo fue la influencia de la cultura visual japonesa en la pintura europea desde aproximadamente 1856 hasta 1920. Van Gogh copió directamente al óleo tres estampas de Hiroshige. Monet creó un jardín japonés en Giverny. Toulouse-Lautrec adoptó el formato de cartel de color plano del ukiyo-e. La Gran Ola, impresa con azul prusiano desde Berlín, influyó en los impresionistas, quienes nunca habían estado en Japón. DeckArts Berlín desde ~$140.
El japonismo —término acuñado por el crítico francés Philippe Burty en 1872— describe la profunda influencia de la cultura visual japonesa en la pintura, el diseño gráfico y las artes aplicadas europeas desde aproximadamente 1856 (cuando Japón se abrió al comercio occidental tras la llegada del comodoro Perry en 1853) hasta aproximadamente 1920. La influencia no fue una imitación superficial, sino una transformación fundamental de la composición y el cromatismo: la vanguardia europea absorbió del grabado japonés un conjunto de principios visuales —color plano sin modelado, líneas de horizonte altas, composición asimétrica, la silueta como unidad visual principal, el potencial expresivo del contorno— que cambiaron permanentemente el curso del arte occidental. DeckArts Berlín reproduce la Gran Ola de Hokusai en arce canadiense desde aproximadamente $140.
Cómo se abrió Japón: 1853 y la oleada de estampas hacia Europa
Japón había mantenido la política de sakoku (aislamiento nacional) desde 1635 hasta 1853, restringiendo el comercio internacional al puesto comercial neerlandés de Dejima en Nagasaki. Cuando la escuadra de la Armada de los Estados Unidos del comodoro Matthew Perry llegó a la bahía de Edo en julio de 1853 y exigió derechos comerciales bajo amenaza de fuerza, el gobierno japonés capituló: la Convención de Kanagawa (marzo de 1854) abrió los puertos japoneses a los barcos estadounidenses, y los tratados posteriores los abrieron a las potencias europeas. Para 1858, Japón estaba abierto al comercio internacional pleno.
Los productos japoneses —cerámica, lacados, textiles de seda, biombos y, fundamentalmente, estampas xilográficas— inundaron los mercados europeos a partir de finales de la década de 1850. Las estampas xilográficas, que se habían producido en enormes cantidades para el mercado interno japonés, eran baratas, numerosas y completamente distintas a todo lo que los artistas europeos habían visto. Las propiedades visuales específicas de las estampas ukiyo-e —áreas de color plano sin modelado de sombras, contornos marcados, composiciones asimétricas, la línea de horizonte alta, la ausencia de perspectiva con punto de fuga— eran todo lo contrario a la tradición académica europea y resultaron inmediatamente reconocibles para los pintores europeos como un conjunto diferente de soluciones a los mismos problemas.
Las estampas japonesas de Van Gogh: 400 obras, 3 copias directas
Vincent van Gogh coleccionó aproximadamente 400 estampas xilográficas japonesas (ahora en el Museo Van Gogh de Ámsterdam) y las estudió intensamente durante su período parisino (1886-88). En 1887, realizó tres copias directas al óleo de estampas de Hiroshige como ejercicios de composición: Lluvia repentina sobre el puente Shin-Ohashi (después de Hiroshige, Museo Van Gogh de Ámsterdam), Jardín de ciruelos en Kameido (después de Hiroshige, Museo Van Gogh) y una tercera copia. Estas copias al óleo son únicas en la obra de Van Gogh: copiaba regularmente obras de otros artistas como ejercicio, pero las copias de Hiroshige son los únicos casos en los que adoptó no solo la composición, sino también el método gráfico específico de color plano y contorno marcado de la obra original, en lugar de traducirlo a su propio estilo de pincelada.
La influencia del japonismo en el estilo maduro de Van Gogh no se limita a las copias explícitas. Las decisiones compositivas de los períodos de Arlés y Saint-Rémy —el punto de vista contrapicado de Las flores de almendro, la zona de cielo plana de la misma obra, el enfoque de silueta en la serie de los Cipreses y la pincelada rítmica y repetitiva que Van Gogh describió específicamente como un aprendizaje del tratamiento de la línea de Hokusai en una carta a Émile Bernard (1888)— reflejan todas la absorción sostenida de los principios del ukiyo-e en su práctica visual.
Monet en Giverny: El jardín japonés y los nenúfares
Claude Monet (París, 1840-1926) compró una propiedad en Giverny en 1883 y pasó allí los 43 años restantes de su vida, transformando el jardín en un programa paisajístico integral de inspiración japonesa: el puente japonés, el jardín de agua, los sauces llorones, los nenúfares. Monet coleccionó aproximadamente 200 estampas xilográficas japonesas, que aún se exhiben en su casa de Giverny (ahora abierta al público como la Fondation Claude Monet). Las estampas —de Hiroshige, Hokusai, Utamaro y otros— se exhiben en varias salas y representan una de las colecciones europeas más importantes del siglo XIX de ukiyo-e.
La serie Nymphéas (Nenúfares) —las aproximadamente 250 pinturas del jardín de agua de Giverny que Monet produjo entre 1896 y 1926, culminando en las instalaciones panorámicas de gran formato que hoy se encuentran en el Museo de la Orangerie en París— es la realización occidental más sostenida de la estética de los jardines japoneses en la pintura. La superficie plana del agua, la ausencia de una línea de horizonte, los reflejos del cielo en el agua y el encuadre fragmentario de las hojas de nenúfar y las ramas de sauce en los bordes de la composición son todos principios compositivos del ukiyo-e aplicados a la pintura al óleo occidental a la mayor escala posible.
Toulouse-Lautrec y el cartel de color plano: El ukiyo-e se vuelve urbano
Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Saint-André-du-Bois, 1901) aplicó los principios gráficos de color plano del ukiyo-e al diseño de carteles comerciales: los carteles del Moulin Rouge y de Aristide Bruant de principios de la década de 1890 se encuentran entre las aplicaciones formales más directas del grabado japonés al arte gráfico occidental. Los elementos específicos del ukiyo-e en la obra de carteles de Toulouse-Lautrec: áreas de color plano sin degradados ni modelado; un marcado contorno negro como elemento gráfico principal; la línea de horizonte alta y la composición asimétrica derivadas de Hokusai y Hiroshige; y la reducción de la figura a una silueta gráfica en lugar de una forma modelada tridimensional. Toulouse-Lautrec poseía estampas japonesas y se documentó como visitante habitual de las tiendas de París que las vendían desde la década de 1880.
Degas y el horizonte alto: Composición espacial japonesa
Edgar Degas (París, 1834-1917) coleccionó aproximadamente 150 estampas japonesas y aplicó las estrategias compositivas espaciales específicas del ukiyo-e —en particular la línea de horizonte alta, la colocación asimétrica de la figura principal y el encuadre de las figuras en el borde de la composición como si fuera con una cámara en lugar de por convención compositiva— a su pintura de figuras impresionista. La serie de las bailarinas, la serie de los baños y las pinturas de la pista de carreras utilizan todas la estructura espacial de horizonte alto, asimetría y figuras encuadradas que Degas derivó de la composición de las estampas japonesas.
Degas también adoptó la práctica del ukiyo-e de representar el cuerpo en movimiento en lugar de en una inmovilidad posada: los maestros japoneses representaban a actores de kabuki, luchadores de sumo y bailarines en un movimiento detenido en lugar de en las poses formales de retrato de la tradición occidental. Las bailarinas y bañistas de Degas están capturadas en la misma cualidad momentánea, privada y espontánea que tienen las figuras del ukiyo-e: observadas en lugar de posadas, detenidas en lugar de presentadas.
El círculo completo: El azul prusiano de Berlín a Japón y de allí a Europa
La historia del japonismo contiene un notable círculo cromático completo: el pigmento que dio vida a las estampas japonesas más célebres —la Gran Ola de Hokusai, los paisajes de Hiroshige, el «período azul» del ukiyo-e— fue el azul prusiano, inventado en Berlín en 1704 por Johann Jacob Diesbach, llevado a Japón a través del comercio neerlandés alrededor de 1820, utilizado por los grabadores japoneses para las estampas japonesas más distintivas y exportadas, que luego inundaron Europa a partir de 1856 e influyeron en la vanguardia europea. Los impresionistas y postimpresionistas europeos que fueron transformados por las estampas japonesas estaban siendo influenciados por obras realizadas con un pigmento alemán que había salido de Europa, había sido adoptado por Japón y había regresado a Europa integrado en una tradición visual japonesa. El azul prusiano: nacido en Berlín, madurado en Japón, influyente en París.
DeckArts produce la Gran Ola de Hokusai en Berlín, la ciudad donde se inventó el azul prusiano hace 322 años y donde ahora se reproduce con tintas pigmentadas de archivo resistentes a los rayos UV sobre arce canadiense para paredes domésticas contemporáneas. El círculo geográfico y cromático está completo.
DeckArts
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Azul prusiano: Berlín 1704 → Japón 1820 → Gran Ola 1831 → Japonismo en París 1856-1920 → DeckArts Berlín 2026. El círculo completo. Desde ~$230 en arce canadiense.
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¿Qué es el japonismo en el arte?
El japonismo es el término (acuñado por el crítico francés Philippe Burty en 1872) para la influencia de la cultura visual japonesa en el arte europeo desde aproximadamente 1856 hasta 1920. Las estampas xilográficas japonesas inundaron los mercados europeos después de que Japón se abriera al comercio en 1853-58, presentando a los pintores europeos la composición de color plano sin modelado de sombras, las líneas de horizonte altas, la composición asimétrica y la silueta como unidad visual principal. Van Gogh, Monet, Toulouse-Lautrec, Degas y Whistler fueron todos influenciados directa y sustancialmente. DeckArts desde ~$140.
¿Cómo influyó el arte japonés en Van Gogh?
Van Gogh coleccionó ~400 estampas japonesas (ahora en el Museo Van Gogh de Ámsterdam), copió directamente al óleo tres estampas de Hiroshige (1887) y escribió a Émile Bernard (1888) específicamente sobre el estudio del tratamiento de la línea de Hokusai. La influencia del japonismo en su obra madura: composición contrapicada de Las flores de almendro, zona de cielo plana, enfoque de silueta para los cipreses, pincelada rítmica y repetitiva. El propio tema de las flores de almendro (flores de cerezo/ciruelo contrapicadas contra el cielo) proviene directamente de las estampas de flores de la serie Cien vistas famosas de Edo de Hiroshige.
Resumen
Japonismo (Philippe Burty, 1872): influencia visual japonesa en el arte europeo 1856-1920 tras la apertura de Japón (Convención de Kanagawa, marzo de 1854, llegada de Perry en 1853). Principios clave absorbidos: color plano sin modelado, línea de horizonte alta, composición asimétrica, silueta como unidad principal, contorno marcado, figuras encuadradas. Van Gogh: ~400 estampas coleccionadas, 3 copias directas al óleo de Hiroshige (1887, Museo Van Gogh), estudio de la línea de Hokusai (Carta a Bernard 1888). Monet: ~200 estampas coleccionadas, jardín japonés de Giverny, serie Nymphéas (~250 obras, 1896-1926, Orangerie París). Toulouse-Lautrec: cartel de color plano (Moulin Rouge 1891) = principios del ukiyo-e en el diseño gráfico comercial. Degas: ~150 estampas, horizonte alto, encuadre asimétrico, cuerpo en movimiento espontáneo. Círculo completo: azul prusiano (Berlín 1704) → Japón (~1820) → Gran Ola (1831) → Japonismo París (1856-1920) → DeckArts Berlín (2026). DeckArts Gran Ola desde ~$140 individual / ~$230 díptico. Arce canadiense. Devolución en 30 días.
Acerca del autor
Stanislav Arnautov es el fundador de DeckArts y un director creativo de Ucrania radicado en Berlín.
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