Última actualización: · Por Stanislav Arnautov · Berlín
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Henri Matisse pintó dos versiones de La Danza (1909–1910) para el coleccionista ruso Sergei Shchukin. Cinco figuras desnudas se toman de la mano formando un círculo sobre una colina, contra solo tres colores: cielo azul, colina verde, cuerpos rojo terracota. Matisse redujo la figura humana a sus elementos expresivos más esenciales; la mano de un bailarín se ha soltado del círculo, rompiendo la cadena por delante. La versión del Hermitage (San Petersburgo) es una de las imágenes fundacionales del arte moderno. El díptico La Danza de DeckArts (~$230) en blanco cálido. Se envía desde Berlín.
La Danza (La Danse, 1909–1910) de Henri Matisse es una de las imágenes fundacionales del arte moderno: una reducción radical de la figura humana, el color y la composición a sus elementos expresivos más esenciales. Cinco figuras desnudas se toman de la mano formando un círculo y bailan sobre la cima de una colina, representada en solo tres colores: el azul del cielo, el verde de la colina y el rojo terracota de los cuerpos. No hay detalles, ni modelado, ni perspectiva, ni elementos de fondo: solo el ritmo puro de las figuras bailarinas, el color puro de los tres planos planos y la energía pura del movimiento circular. La Danza es el momento en que la pintura moderna descubrió que podía expresarlo todo representando casi nada. En el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. DeckArts Berlín desde ~$230.
La pintura: Cinco bailarines, tres colores
La Danza representa a cinco figuras femeninas desnudas tomadas de la mano formando un círculo, bailando sobre la cima de una colina o montículo. Las figuras están representadas en un rojo terracota plano (un cálido rojo ladrillo que sugiere piel calentada por el sol sin ningún tono de piel naturalista); la colina es de un verde plano; el cielo es de un azul profundo plano. Solo hay estos tres colores en toda la composición: sin sombreados, sin detalles, sin modelado de los cuerpos más allá de las líneas de contorno más esenciales que definen sus formas bailarinas.
La energía de la composición proviene enteramente del ritmo de las figuras: el círculo de bailarines está capturado en pleno movimiento, con sus cuerpos estirados, inclinados y tensos por la fuerza centrífuga de la danza circular. La figura de la parte inferior izquierda se lanza hacia adelante, casi cayendo; las figuras de la parte superior son arrastradas hacia atrás por el impulso; todo el círculo parece girar con una energía salvaje, extática, casi primitiva. Matisse ha reducido la figura humana a sus elementos más esenciales: unas pocas líneas de contorno curvas que definen cada cuerpo bailarín; y sin embargo, las figuras están intensamente, inconfundiblemente vivas y en movimiento. La Danza es una demostración de que el ritmo puro y el color puro, sin ningún detalle naturalista, pueden expresar toda la energía del movimiento y la alegría humana. Ver: Museo Estatal del Hermitage.
El encargo de Shchukin: Una escalera en Moscú
La Danza fue encargada por Sergei Shchukin (1854–1936), un acaudalado comerciante ruso de textiles y uno de los coleccionistas de arte más importantes y audaces de principios del siglo XX. Shchukin reunió una extraordinaria colección de arte francés moderno: poseía decenas de obras de Matisse, Picasso, Gauguin, Cézanne, Monet y otros maestros modernos, expuestas en su mansión de Moscú (el Palacio Trubetskoy), que abría al público los domingos. La colección de Shchukin fue una de las colecciones de arte moderno más importantes de principios del siglo XX en cualquier parte del mundo, y su patrocinio fue crucial para la carrera de Matisse.
En 1909, Shchukin encargó a Matisse que pintara dos grandes paneles decorativos para la escalera de su mansión de Moscú: La Danza y su acompañante, Música. Los dos paneles estaban diseñados para ser vistos mientras el visitante subía la gran escalera: La Danza en el primer nivel (energía, movimiento, el cuerpo) y Música en el segundo (un grupo de músicos sentados y de pie, quietud, sonido). Los dos paneles juntos formaban un programa sobre el tema de las actividades humanas elementales de la danza y la música. La Danza se completó en 1910 y se instaló en la escalera de Shchukin en Moscú, donde permaneció hasta la Revolución Rusa. Después de la Revolución, la colección de Shchukin fue nacionalizada por el estado soviético; La Danza eventualmente entró en la colección del Museo del Hermitage en San Petersburgo, donde permanece. La pintura moderna más radical de su época colgaba en la escalera de un comerciante moscovita y fue nacionalizada por una revolución. Ver: Los coleccionistas rusos de arte moderno.
Dos versiones: El estudio parisino y la versión definitiva del Hermitage
Hay dos versiones principales pintadas de La Danza. La primera versión (1909, ahora en el Museo de Arte Moderno, Nueva York) fue una versión preliminar, pintada en colores más claros y pálidos (un rosa pálido para las figuras, tonos más suaves en general): un estudio o primera realización de la composición. La segunda versión, la definitiva (1910, ahora en el Hermitage, San Petersburgo), es la que Matisse entregó a Shchukin: más intensa, más saturada, con las figuras en un vívido rojo terracota, la colina en verde profundo y el cielo en azul profundo. La versión definitiva es más audaz, más primitiva y cromáticamente más intensa que la primera.
La progresión entre las dos versiones muestra a Matisse intensificando las cualidades esenciales de la pintura: los colores se vuelven más saturados y menos naturalistas; la energía de la danza se vuelve más violenta y extática; la reducción al ritmo puro y al color puro se vuelve más completa. La primera versión (MoMA) es el descubrimiento de la composición; la segunda versión (Hermitage) es su realización plena e intensificada. La Danza reproducida por DeckArts sigue el programa de color más audaz del Hermitage: las vívidas figuras terracota, la colina verde profundo, el cielo azul profundo. Ver: Museo de Arte Moderno, Nueva York.
El círculo roto: La mano que se soltó
El detalle más específico y más frecuentemente pasado por alto de La Danza: el círculo de bailarines está roto. En la parte delantera de la composición (centro-izquierda inferior), las manos de los dos bailarines principales se han separado: la mano de la figura del primer plano que se lanza y la mano de la figura que se estira hacia ella no llegan a encontrarse; la cadena de la danza se rompe en este punto. El espacio entre las dos manos es el punto específico de tensión de la pintura: todo el impulso circular extático de la danza se concentra en este eslabón roto, donde las figuras se esfuerzan por reconectar el círculo.
La importancia interpretativa del círculo roto es debatida, pero el detalle es inconfundiblemente deliberado e inconfundiblemente central: Matisse colocó la ruptura justo en la parte delantera de la composición, en el punto de máximo movimiento, donde el bailarín del primer plano que se lanza se esfuerza hacia adelante. El círculo roto le da a la danza su tensión dinámica específica: no es un círculo sereno, cerrado y perfecto, sino un círculo abierto, tenso y casi roto, capturado en el momento de máxima fuerza centrífuga. La danza se mantiene unida por el esfuerzo, no por un cierre estable; las figuras se esfuerzan por mantener el círculo contra la fuerza que lo está separando. Este detalle específico: el eslabón roto en la parte delantera, es lo que le da a La Danza su energía particular y su resonancia emocional particular: la alegría de la danza es también el esfuerzo de mantener el círculo unido. Ver: Ver La Danza en DeckArts →
Tres colores: La reducción radical
La cualidad más radical de La Danza es su reducción a tres colores. En 1910, la idea de que una pintura importante pudiera estar hecha de solo tres campos de color planos y sin matices: azul, verde y rojo terracota, sin sombreados, sin detalles, sin representación naturalista, fue verdaderamente revolucionaria. La tradición académica dominante exigía modelado, detalles, perspectiva y color naturalista; incluso los impresionistas, que habían roto con la convención académica, conservaron la luz naturalista y el color fragmentado. La reducción de Matisse a tres colores planos fue una ruptura decisiva: afirmó que el color en sí mismo, usado de forma plana, pura y no naturalista, era suficiente para llevar todo el contenido expresivo de una pintura.
Las elecciones de color específicas de Matisse: el azul es el azul del cielo, pero un azul más profundo y saturado que cualquier cielo real; el verde es el verde de la colina, pero un verde más plano y uniforme que cualquier hierba real; el rojo terracota de los cuerpos no es ningún tono de piel real, sino un color expresivo: el rojo cálido, terroso, de sol y sangre que transmite el calor y la vitalidad de los cuerpos bailarines. Los colores se eligen por su poder expresivo y decorativo, no por su precisión naturalista. Este es el principio central del arte de Matisse: el color es expresión. Escribió que buscaba “un arte de equilibrio, de pureza y serenidad” y que esto podía lograrse a través del poder expresivo del color puro y la forma simplificada. La Danza es la demostración suprema de este principio. Ver: La tendencia hacia la abstracción.
Matisse y el fauvismo: Las fieras
Matisse fue el líder del fauvismo, el primer movimiento de vanguardia del siglo XX. El nombre “fauvismo” (del francés fauves, “ fieras”) fue acuñado por el crítico Louis Vauxcelles, quien, en el Salon d’Automne de 1905 en París, vio una sala llena de las pinturas de colores violentos y no naturalistas de Matisse y su círculo (André Derain, Maurice de Vlaminck y otros) rodeando una escultura clásica convencional, y exclamó: “¡Donatello entre las fieras!” El nombre se quedó.
El programa del fauvismo: el uso de color intenso, no naturalista y expresivo: el color liberado de su función descriptiva y usado puramente por su poder emocional y decorativo. Los fauves usaban colores puros, sin mezclar y vívidos directamente del tubo, aplicados en áreas planas o pinceladas audaces, sin ninguna preocupación por la precisión naturalista. El fauvismo fue un movimiento breve (su fase más intensa fue aproximadamente de 1905 a 1908), pero fue el primer paso decisivo hacia la liberación del color en el arte moderno del siglo XX. La Danza (1909–1910), aunque pintada justo después de la fase fauvista más intensa, es la realización suprema del principio fauvista: el color como expresión pura. Matisse continuó con una larga carrera (vivió hasta 1954) como uno de los dos gigantes del arte del siglo XX (junto con Picasso), pero La Danza sigue siendo su imagen más icónica e influyente. Ver: Munch y las raíces del expresionismo.
Henri Matisse: De escribiente de leyes a maestro moderno
Henri Matisse (1869–1954) llegó al arte tarde y por accidente. Nació en el norte de Francia y se formó como abogado, trabajando como escribiente de leyes a principios de sus 20 años. A la edad de 21 años, mientras se recuperaba de una enfermedad (apendicitis), su madre le dio una caja de pinturas para entretenerlo durante su convalecencia y descubrió su vocación. Describió la experiencia como una revelación: “Desde el momento en que sostuve la caja de colores en mis manos, supe que esta era mi vida.” Abandonó el derecho y se mudó a París para estudiar arte.
La carrera de Matisse abarcó toda la revolución del arte moderno: lideró el fauvismo (1905–1908); produjo sus grandes pinturas decorativas, incluida La Danza (1909–1910); se desarrolló a través de décadas de pintura, escultura y dibujo; y, en sus últimos años —cuando la enfermedad lo confinó a una silla de ruedas y a la cama—, inventó una forma de arte completamente nueva, el recorte (gouaches découpées), en la que “dibujaba con tijeras”, cortando formas de papel pintado y organizándolas en composiciones de color y forma puros. Los recortes tardíos (incluyendo los famosos Nudísimos azules y la serie Jazz) están entre sus obras más amadas: hechos por un hombre de 80 años que ya no podía estar de pie frente a un caballete y que reinventó su arte en lugar de rendirse. Matisse murió en 1954, a los 84 años, reconocido como uno de los dos artistas supremos del siglo XX. El escribiente de leyes que tomó una caja de pinturas a los 21 años se convirtió, junto con Picasso, en el artista definitorio del arte moderno. Ver: Hokusai: El otro reinventor de la vejez.
La Danza para la decoración del hogar
El díptico La Danza (~$230) es el arte clásico más alegre, enérgico y moderno de la gama de DeckArts. Sus cualidades específicas para la decoración del hogar:
El registro alegre y enérgico. La Danza es la imagen suprema de la alegría, la energía y el movimiento en el arte moderno: el círculo extático de bailarines, el salvaje impulso centrífugo, el color puro y vívido. Para un hogar, una habitación o una persona cuyo registro sea alegre, enérgico, festivo o vitalista, La Danza es el arte más específicamente apropiado en DeckArts. No es contemplativo, oscuro ni intelectual; es pura alegría y movimiento.
La paleta de tres colores. El azul, el verde y el rojo terracota de La Danza forman una paleta audaz, cálida, equilibrada y vívida que funciona en muchos interiores: las figuras terracota proporcionan un evento cromático cálido, el cielo azul uno frío, la colina verde un medio natural. Sobre el blanco cálido, los tres colores planos avanzan con máxima claridad y energía.
Mejores ubicaciones: Una sala de estar (el espacio principal alegre, social y de reunión); una escalera (el contexto original de Shchukin: La Danza fue hecha para una escalera); la sala de juegos de un niño o una sala familiar (el registro enérgico y alegre para un espacio de juego y actividad); un estudio de danza, una sala de yoga o un espacio de ejercicio (el círculo de bailarines sobre el espacio de movimiento); una cocina o comedor (el registro festivo y social). El díptico La Danza (~$230) o paneles individuales para una pared más estrecha. Ver La Danza en DeckArts →
Color de la pared y ubicaciones
Blanco cálido (el color de pared canónico de La Danza): El blanco cálido permite que los tres colores planos y vívidos de La Danza —azul, verde, rojo terracota— avancen con máxima claridad y energía. El color de pared más apropiado para la audaz paleta moderna de la pintura. F&B All White, Pointing o Wimborne White.
Verde salvia pálido o azul pálido (para una relación tonal): Una pared verde salvia pálido se relaciona con la colina verde de La Danza; un azul pálido se relaciona con el cielo azul. Un color de pared tonal que tome uno de los tres colores de la pintura crea una relación específica y considerada entre el arte y la pared.
LED cálido de 2700K: La luz cálida y dirigida activa los cuerpos rojo terracota (el evento cromático cálido de la pintura) al máximo avance, equilibrando el cielo azul frío. La Danza bajo luz cálida y dirigida: el registro cálido, alegre y enérgico totalmente activado. Ver: ¿Qué color de paredes combina con el arte de madera de arce?
Cuatro programas completos para La Danza
Programa 1: La sala de estar alegre (~$230)
Sala de estar blanco cálido + díptico La Danza (~$230) sobre el sofá a 155–165 cm + foco dirigido cálido de 2700K + un programa de mobiliario cálido, social y colorido. El círculo extático de bailarines sobre el espacio de reunión. “Cinco bailarines, tres colores, el círculo roto en la parte delantera. Hecha para una escalera de Moscú; nacionalizada por una revolución.” Arte total: ~$230.
Programa 2: La escalera (el contexto original) (~$230)
Pared de escalera blanco cálido + díptico La Danza (~$230) en la pared de la escalera, posicionado para ser visto al subir (el contexto original de Shchukin). La Danza fue hecha para una escalera; colgarla en una escalera restaura su propósito arquitectónico original. Arte total: ~$230.
Programa 3: La sala de movimiento (~$230)
Sala de yoga, estudio de danza o espacio de ejercicio blanco cálido + díptico La Danza (~$230) en la pared principal a 155–165 cm + foco dirigido de 2700K. El círculo de bailarines sobre el espacio de movimiento: el arte más semánticamente específico para una habitación de movimiento físico y energía. Arte total: ~$230. Ver: Arte de pared para un gimnasio en casa 2026.
Programa 4: La pareja de color moderno (~$370)
Paredes blanco cálido + díptico La Danza (~$230, Matisse, color fauvista alegre) + El Grito individual (~$140, Munch, intensidad expresiva) en dos habitaciones diferentes o en dos paredes enfrentadas. Dos programas modernos fundacionales: la alegría del color puro y el movimiento + la ansiedad de la expresión pura. Los dos polos emocionales del arte moderno temprano. Arte total: ~$370.
Preguntas frecuentes
¿De qué trata La Danza de Matisse?
La Danza (La Danse, 1909–1910) representa cinco figuras desnudas tomadas de la mano formando un círculo, bailando sobre una colina, plasmadas en solo tres colores planos —cielo azul, colina verde, cuerpos rojo terracota— sin detalles, modelado ni perspectiva. Es una de las imágenes fundacionales del arte moderno: una demostración radical de que el ritmo puro y el color puro, sin detalles naturalistas, pueden expresar toda la energía del movimiento y la alegría humanas. Fue encargada por el coleccionista ruso Sergei Shchukin para la escalera de su mansión de Moscú (junto con un panel complementario, Música). Matisse pintó dos versiones: una primera versión más pálida (1909, MoMA Nueva York) y la audaz y saturada versión final (1910, Hermitage San Petersburgo). Un detalle clave: el círculo de bailarines está roto en la parte delantera, donde dos manos se han separado —la danza se mantiene unida por un esfuerzo extenuante, no por un cierre estable. La Danza encarna el principio central de Matisse de que el color es expresión. En el Museo Estatal del Hermitage. Díptico La Danza de DeckArts desde ~$230.
¿Quién fue Henri Matisse?
Henri Matisse (1869–1954): artista francés; junto con Picasso, uno de los dos artistas supremos del siglo XX. Se formó como abogado y descubrió el arte a los 21 años, cuando su madre le regaló una caja de pinturas durante una convalecencia («Desde el momento en que sostuve la caja de colores, supe que esta era mi vida»). Lideró el fauvismo (de los fauves franceses, «fieras», término acuñado por el crítico Louis Vauxcelles en el Salon d’Automne de 1905) —el primer movimiento de vanguardia del siglo XX, que utilizaba un color expresivo intenso y no naturalista. Pintó La Danza (1909–1910) para Sergei Shchukin. En sus últimos años, confinado a una silla de ruedas por una enfermedad, inventó el recorte (gouaches découpées), «dibujar con tijeras» (Los desnudos azules, Jazz). Murió en 1954, a los 84 años. Díptico La Danza de DeckArts desde ~$230. Ver: La Danza en DeckArts.
Resumen del artículo
La Danza (La Danse, 1909–1910) de Henri Matisse es una de las imágenes fundacionales del arte moderno: cinco figuras desnudas tomadas de la mano formando un círculo, bailando sobre una colina, plasmadas en solo tres colores planos (cielo azul, colina verde, cuerpos rojo terracota) sin detalles, modelado ni perspectiva —una demostración radical de que el ritmo puro y el color puro pueden expresar toda la energía del movimiento y la alegría humanas. Seis datos específicos: (1) Encargada por el coleccionista ruso Sergei Shchukin para la escalera de su mansión de Moscú (junto con un panel complementario, Música); tras la Revolución rusa, la colección de Shchukin fue nacionalizada y La Danza entró en el Hermitage; (2) Existen dos versiones: una primera versión más pálida (1909, MoMA Nueva York) y la audaz y saturada versión final (1910, Hermitage San Petersburgo); (3) El círculo de bailarines está roto en la parte delantera, donde dos manos se han separado —la danza se mantiene unida por un esfuerzo extenuante, la tensión central de la pintura; (4) Solo tres colores, elegidos por su poder expresivo y no naturalista —el principio de Matisse de que el color es expresión; (5) Matisse lideró el fauvismo («fieras», término acuñado por Louis Vauxcelles en el Salon d’Automne de 1905); (6) Matisse se formó como abogado y descubrió el arte a los 21 años con una caja de pinturas durante una convalecencia; en sus últimos años inventó el recorte, «dibujar con tijeras». Díptico La Danza de DeckArts (~$230): el arte moderno más alegre y enérgico de DeckArts, sobre blanco cálido. Ideal para una sala de estar, escalera (el contexto original), sala de movimiento o espacio familiar. Se envía desde Berlín. Devolución en 30 días.
Acerca del autor
Stanislav Arnautov es el fundador de DeckArts y un director creativo de Ucrania radicado en Berlín.
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