Última actualización: · Por Stanislav Arnautov · Berlín
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Historia del arte en las tablas de skate: los primeros diseños comerciales en tablas de skate aparecieron a principios de la década de 1970. Para los años 80, los diseños en las tablas se habían convertido en una forma reconocida de cultura visual. Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y Shepard Fairey produjeron ediciones de coleccionista en tablas. DeckArts utiliza el mismo sustrato de arce canadiense y aplica obras maestras clásicas canónicas occidentales y japonesas: el mismo material, la tradición opuesta. Desde aproximadamente 140 $.
La tabla de skate ha sido un soporte para el arte visual de gran calibre durante aproximadamente 50 años. Esta historia es prácticamente desconocida fuera de la cultura del skate y de los círculos del arte, pero es importante para entender por qué DeckArts coloca obras maestras clásicas canónicas en el mismo sustrato: la tabla se ha ganado su estatus como soporte artístico legítimo a lo largo de medio siglo de producción artística de primer nivel, desde los primeros diseños pintados a mano de la década de 1970, pasando por las ediciones de Basquiat y Haring de los años 80, hasta el mercado contemporáneo de coleccionismo, donde las tablas de edición de artistas se subastan junto con lienzos y grabados. DeckArts Berlín desde aproximadamente 140 $.
Orígenes: la tabla en blanco y los primeros diseños (década de 1970)
Las primeras tablas de skate no tenían decoración: madera de arce desnuda, sin diseño, sin color y sin imagen. En la etapa inicial de la comercialización del skate (a finales de los años 50 y principios de los 60, cuando aparecieron los primeros productos comerciales de skate), la tabla era puramente funcional: una tabla plana montada sobre ruedas de arcilla o metal, utilizada para patinar por las aceras como actividad juvenil en California.
La transición de la madera en blanco a la tabla decorada comenzó a principios de los años 70, cuando los fabricantes de tablas de skate empezaron a aplicar pegatinas, calcomanías y, finalmente, diseños impresos sobre la superficie de la tabla. La motivación era comercial: diferenciar las marcas y atraer a los jóvenes compradores mediante la identidad visual, pero el proceso de encargar diseños a artistas introdujo a los artistas visuales en el mundo de la tabla de skate como soporte y dio inicio al desarrollo de la tabla como objeto cultural, más allá de su mera función.
El avance técnico que permitió crear diseños de calidad en las tablas fue la transición de las hojas de pegatinas impresas en plancha plana (que podían aplicarse a la superficie de la tabla, pero no eran permanentes) a la serigrafía y, posteriormente, a la sublimación y la impresión directa sobre la tabla. La serigrafía directamente sobre la superficie de arce de la tabla creó diseños que formaban parte de la tabla en lugar de estar aplicados sobre ella: la imagen quedaba impregnada en la veta de la madera en lugar de reposar sobre su superficie. Esta permanencia cambió el estatus del diseño de la tabla, pasando de etiqueta comercial a soporte artístico.
Los primeros diseños eran principalmente logotipos gráficos llamativos y personajes de dibujos animados, creados para ofrecer una gran visibilidad y reconocimiento de marca. Pero la participación de artistas comerciales e ilustradores en el diseño de las tablas introdujo en su superficie consideraciones estéticas: composición, color y lenguaje gráfico. Para mediados de los años 70, los diseños de las tablas de skate habían desarrollado un lenguaje visual específico, distinto de otras formas de arte comercial y que se convertiría en la base visual de la cultura del skate.
La época dorada: Powell Peralta, Santa Cruz y los años 80
Los años 80 fueron la época dorada del arte gráfico en las tablas de skate. Dos marcas definieron este período: Powell Peralta (fundada por Stacy Peralta y George Powell en Ventura, California) y Santa Cruz Skateboards (Santa Cruz, California). Ambas marcas encargaron y produjeron diseños para tablas que trascendieron el arte comercial y entraron en el terreno de la cultura visual reconocible.
Powell Peralta y Bones Brigade: George Powell tenía experiencia en ingeniería (era graduado en ingeniería por la Universidad de Stanford y había trabajado en el sector aeroespacial) y se interesaba tanto por las propiedades técnicas del laminado de arce como por la calidad visual de los diseños en su superficie. Bajo la dirección de Powell, Powell Peralta produjo algunos de los diseños más célebres para tablas de los años 80, trabajando con el artista VCJ (Vernon Courtlandt Johnson) y, más tarde, con Andy Howell y otros. La serie Bones Brigade —que incluía tablas diseñadas para Tony Hawk, Steve Caballero, Lance Mountain y Mike McGill— es hoy reconocida como un conjunto canónico de la cultura visual de los años 80 y se colecciona como objetos artísticos, además de su uso funcional.
Jim Phillips y Santa Cruz: Jim Phillips (n. 1945) es el artista gráfico individual más importante en la historia del arte en las tablas de skate. Trabajó como director artístico de Santa Cruz y NHS, Inc. desde 1975 hasta principios de los años 2000 y desarrolló el lenguaje gráfico específico del arte en las tablas de skate: contornos negros audaces, escorzos extremos, exageraciones anatómicas, imágenes de terror y fantasía, y una paleta de colores específica (colores fluorescentes y ácidos sobre negro) que definió la identidad visual del skate en los años 80. Screaming Hand (1985), de Phillips, es la imagen gráfica de skate más reproducida de la historia y se ha expuesto en contextos de arte, incluidas exposiciones en galerías dedicadas exclusivamente a la tabla de skate como objeto artístico.
El lenguaje visual específico del arte en las tablas de los años 80: Color plano y audaz, simplificación gráfica extrema, imágenes de terror y fantasía (calaveras, monstruos, extremidades amputadas) y una relación deliberadamente transgresora con las normas estéticas convencionales. Este lenguaje visual no era arbitrario: era una respuesta específica a la posición de la contracultura fuera del deporte y la cultura convencionales, utilizando la extremidad visual como marca de diferencia cultural. Las imágenes extremas del arte en las tablas de los años 80 eran, en cierto sentido, la política visual de una contracultura que se definía en oposición a las normas visuales de la cultura convencional.
El arte entra en escena: Basquiat, Haring, Fairey
El cruce entre la cultura del skate y el arte, específicamente las escenas artísticas de Nueva York y Los Ángeles de los años 80, acercó a artistas canónicos al sustrato de la tabla desde el ámbito del arte, no desde el de la cultura del skate.
Jean-Michel Basquiat (1960–1988): Basquiat comenzó como artista urbano en Nueva York (el proyecto de grafiti SAMO©, que llevó a cabo con Al Diaz de 1977 a 1980) y dio el salto al arte de galería a principios de los años 80, cuando sus obras se vendieron casi de inmediato por sumas importantes a coleccionistas serios. Para 1982, Basquiat era uno de los artistas jóvenes con más éxito comercial en Nueva York, y sus obras se vendían por entre 25 000 y 50 000 $ en galerías como Annina Nosei y Larry Gagosian. Sus obras forman hoy parte de las colecciones permanentes del MoMA de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Estadounidense y el Museo de Brooklyn, y se subastan por entre 10 y más de 100 millones de dólares por obra.
La conexión de Basquiat con la cultura del skate era directa: creció en Brooklyn durante el período en que la cultura del skate y la cultura hip-hop compartían el mismo vocabulario visual urbano de Nueva York. Sus producciones en tablas —que utilizaban su característico lenguaje neoexpresionista (figuras anatómicas, fragmentos de texto, símbolos de coronas) sobre la superficie de arce de la tabla— fueron una extensión natural de su práctica en un sustrato que ya formaba parte del vocabulario cultural en el que trabajaba. Una tabla diseñada por Basquiat no es una colaboración con una celebridad ni un acuerdo comercial de licencia; es una obra de Basquiat sobre un sustrato específico con el que Basquiat tenía conexiones culturales y visuales directas.
Keith Haring (1958–1990): Haring comenzó su carrera como artista urbano en el metro de Nueva York (los dibujos con tiza en paneles publicitarios sin usar que lo hicieron famoso de 1980 a 1985) y dio el salto al arte de galería a mediados de los años 80, produciendo obras que hoy se encuentran en el MoMA, el Whitney, el Centre Pompidou y en decenas de importantes colecciones institucionales. El estilo gráfico de Haring —contornos negros gruesos, colores planos y audaces, figuras de bebés radiantes y perros ladrando, figuras bailando— se traduce con especial eficacia en la superficie lisa de arce de la tabla y en el proceso de serigrafía o de impresión directa sobre la tabla. Sus ediciones en tablas se produjeron en series limitadas y numeradas; hoy se subastan junto con sus pinturas, grabados y esculturas.
Haring tenía un compromiso específico y sostenido con la idea de que el arte debía ser accesible fuera del contexto de la galería: su Pop Shop (abierta en 1986 en Nueva York) vendía productos asequibles relacionados con el arte, específicamente para que su imaginería fuera accesible a quienes no podían permitirse los precios de las galerías. La tabla de skate era totalmente coherente con este compromiso: un objeto funcional que la mayoría de la gente poseía, decorado con arte de primer nivel y disponible fuera del sistema de las galerías.
Shepard Fairey (n. 1970): Fairey comenzó su carrera en la cultura del skate (aprendió serigrafía creando pegatinas para tablas en 1989, y su campaña OBEY Giant comenzó como un proyecto de pegatinas para tablas de skate) y forjó una carrera que abarca el arte urbano, el arte de galería, la propaganda política (el cartel Hope de Obama, 2008) y el reconocimiento institucional (obras en colecciones de museos de Europa, Norteamérica y Asia). Su trayectoria es la prueba más directa de que la tabla de skate no está por debajo de la práctica artística seria, sino que es el origen de una importante vertiente del arte contemporáneo.
Las producciones de Fairey en tablas continúan realizándose como ediciones artísticas, normalmente en series numeradas de 100 a 500 ejemplares, y se venden a través de su galería (Subliminal Projects, Los Ángeles) junto con sus carteles y obras sobre lienzo. Una tabla de Fairey es un objeto de coleccionista en el mismo mercado que sus otras obras.
Por qué el mismo arce: la conexión del sustrato
Cada tabla producida por Basquiat, Haring, Fairey, Powell Peralta, Santa Cruz y cualquier otro productor serio de arte para skate utiliza el mismo sustrato: laminado de arce canadiense de 7 capas con veta cruzada. Esto no es casualidad. El arce canadiense se utiliza para las tablas de skate porque es la madera específica con la combinación adecuada de propiedades para el formato de la tabla: dureza (Janka ~1 450 lbf), tenacidad (resistencia a la fractura y a la delaminación por los impactos del skate), estabilidad dimensional (el laminado de 7 capas soporta la torsión y las cargas de flexión del skate sin deformarse) y suavidad de la superficie (para la producción de diseños de alta calidad).
Cuando DeckArts utiliza laminado de arce canadiense de 7 capas con veta cruzada para sus reproducciones de obras maestras clásicas, utiliza el mismo sustrato que Basquiat usó para sus ediciones en tablas, que Haring usó y que Jim Phillips usó para Screaming Hand. La continuidad material entre la tradición del arte para skate y DeckArts no es una afirmación ni una metáfora; es un hecho material. La misma madera, la misma construcción laminada, el mismo proceso de fabricación de tablas de calidad profesional. El contenido es diferente: arte clásico canónico (Van Gogh, Klimt, Hokusai) en lugar de figuras neoexpresionistas (Basquiat), contornos de arte pop (Haring) o imaginería gráfica de contracultura (Phillips). Pero el sustrato es idéntico.
DeckArts: arte clásico en el mismo sustrato
DeckArts (deckarts.com) fue fundada en Berlín por Stanislav Arnautov, un director creativo ucraniano, con una propuesta específica: las obras maestras clásicas canónicas occidentales y japonesas —Van Gogh, Klimt, Hokusai, Rembrandt, Vermeer, Botticelli, Caravaggio y otros— pertenecen al mismo sustrato de arce canadiense que ha llevado el arte contemporáneo más serio sobre superficies de tablas durante 50 años.
La inversión específica de la propuesta de DeckArts: mientras que la cultura del skate llevó el arte contemporáneo a la tabla, DeckArts lleva el arte clásico a la tabla. La dirección se invierte, pero el sustrato y el estándar material son idénticos. Una tabla de DeckArts se fabrica con las mismas especificaciones de arce canadiense que un modelo pro de Powell Peralta o una edición de Haring; la diferencia es que la imagen en la superficie de la tabla es La gran ola (c. 1831) o El beso (1907–08), en lugar de una producción de arte contemporáneo o gráfico para skate.
La conexión biográfica entre Berlín y las obras clásicas: el azul prusiano —el pigmento específico de La gran ola de Hokusai, La noche estrellada de Van Gogh y La almendra en flor de Van Gogh— fue inventado en Berlín en 1704 por Johann Jacob Diesbach. DeckArts envía arte clásico impreso con tintas de archivo UV derivadas del azul prusiano desde la ciudad donde se inventó ese pigmento hace 322 años. El sustrato conecta a DeckArts con la tradición del arte para skate; el pigmento conecta a DeckArts con la tradición del arte clásico. Ambas conexiones son materiales y específicas, no meramente retóricas.
Tablas de coleccionista vs. tablas de arte mural: ¿cuál es la diferencia?
Existe una distinción importante entre el mercado de tablas de coleccionista (ediciones limitadas de artista producidas para el mercado de coleccionistas de arte) y el mercado de tablas de arte mural (reproducciones de calidad producidas para el mercado del diseño de interiores).
Tablas de coleccionista: Ediciones limitadas (normalmente 50–500 impresiones numeradas) producidas por un artista vivo o directamente en colaboración con él, normalmente acompañadas de un certificado de autenticidad y, a veces, de una firma. Precio de entre 200 y más de 2 000 $ por tabla. Valor como objetos de coleccionista: la rareza de la edición, la participación directa del artista y la documentación de procedencia. Ejemplos: una tabla de edición de Haring de los años 80, una edición numerada de Fairey de 2015. Estas no son productos de arte mural en el sentido del diseño de interiores; son objetos de arte de primer nivel que, por casualidad, tienen formato de tabla.
Tablas de arte mural (DeckArts): Reproducciones de calidad de obras clásicas canónicas producidas para exhibición en interiores. No son ediciones limitadas, no tienen certificados de autenticidad ni son objetos de coleccionista en el sentido del mercado del arte. El valor reside en la calidad de la impresión (archivo UV ASTM I, más de 100 años), la calidad del sustrato (arce canadiense de 7 capas), la profundidad biográfica y de historia del arte de la obra. Precio de entre 140 y 560 $ según el formato. Son objetos de diseño de interiores fabricados con el mismo sustrato que las tablas de coleccionista, pero no se posicionan en el mercado de coleccionismo.
La comparación es relevante porque los compradores a veces confunden ambos tipos: una tabla de DeckArts no es un objeto de coleccionista ni tiene el precio de uno. Es un objeto de diseño de interiores fabricado con un alto estándar material. Su valor reside en la experiencia de tener en la pared una obra maestra clásica específica en un formato cálido, materialmente específico y de archivo UV, no en ninguna revalorización prevista en el mercado secundario.
Colecciones relacionadas: nuestras tablas de skate de arte contemporáneo y pop y arte mural para skate renacentista y clásico.
Preguntas frecuentes
¿Cuándo comenzó el arte en las tablas de skate?
Los primeros diseños comerciales para tablas de skate aparecieron a principios de los años 70, cuando los fabricantes empezaron a aplicar diseños impresos sobre la superficie de arce en blanco para diferenciar sus marcas. Para los años 80, Powell Peralta, Santa Cruz (el artista Jim Phillips, creador de Screaming Hand, 1985) y otras marcas habían desarrollado un lenguaje visual específico para el arte en las tablas. Los artistas plásticos entraron en el formato de la tabla en los años 80: Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y, más tarde, Shepard Fairey produjeron todos ediciones de arte para tablas de gran importancia que hoy se coleccionan como objetos de arte. DeckArts aplica obras maestras clásicas canónicas al mismo sustrato de arce canadiense. Desde aproximadamente 140 $.
¿Basquiat hizo tablas de skate?
Sí. Jean-Michel Basquiat (1960–1988), uno de los pintores estadounidenses más importantes del siglo XX (sus obras se subastan hoy por entre 10 y más de 100 millones de dólares en el MoMA, el Whitney y el Museo de Brooklyn), produjo diseños para tablas de skate que hoy se coleccionan como objetos de arte. Basquiat creció en Brooklyn durante el período en que la cultura del skate y la cultura hip-hop compartían el mismo vocabulario visual urbano de Nueva York; sus producciones en tablas fueron una extensión natural de su práctica. Una tabla de Basquiat es una obra de Basquiat sobre un sustrato específico con el que tenía conexiones culturales; no es una colaboración comercial. DeckArts aplica obras maestras clásicas al mismo sustrato de arce. Desde aproximadamente 140 $.
¿Cuál es la diferencia entre una tabla de skate de coleccionista y una tabla de arte mural?
Tablas de coleccionista: ediciones limitadas (50–500 numeradas), producidas por un artista vivo o directamente con él, con certificado de autenticidad, valor en el mercado del arte (200–más de 2 000 $) y apreciadas por la rareza de la edición y la procedencia. Tablas de arte mural (DeckArts): reproducciones de calidad de obras clásicas canónicas para exhibición en interiores, sin límites de edición, valoradas por la calidad de la impresión (archivo UV ASTM I, más de 100 años), la calidad del sustrato (arce de primera calidad de 7 capas) y la profundidad biográfica de la obra. Objetos de diseño de interiores, no objetos del mercado de coleccionismo. Mismo sustrato, diferente mercado y propósito. DeckArts desde aproximadamente 140 $.
¿Quién fundó Powell Peralta?
Powell Peralta fue fundada en 1978 por el ingeniero George Powell y el patinador profesional Stacy Peralta. Sus diseños de calaveras y espadas, y de esqueletos, fueron dibujados por el artista Vernon Courtland Johnson (VCJ), y su equipo Bones Brigade hizo famosa la marca en los años 80.
¿Cuál es la diferencia entre Powell Peralta y Santa Cruz?
Ambas son marcas californianas de skate de larga trayectoria que marcaron el diseño de los gráficos de tablas en los años 80. Santa Cruz (bajo el sello NHS, fundada en 1973 en Santa Cruz) es conocida sobre todo por el gráfico Screaming Hand de Jim Phillips de 1985; Powell Peralta es conocida por las calaveras de VCJ y la Bones Brigade. Ambas siguen produciendo tablas y reediciones de sus gráficos clásicos.
Resumen del artículo
Historia del arte de las tablas de skate: tablas en blanco (objetos funcionales de los años 50-60) → primeros gráficos comerciales (principios de los años 70, serigrafía sobre arce) → edad de oro de los años 80 (Powell Peralta/George Powell, Santa Cruz/Jim Phillips — Screaming Hand 1985 — el gráfico de skate más reproducido; serie VCJ, Bones Brigade) → cruce con las bellas artes (Basquiat, obras ahora de $10-100M+; ediciones en tablas coleccionadas como bellas artes; Haring, MoMA/Whitney/Centre Pompidou, Pop Shop, ediciones en tablas en series numeradas; Fairey, Obama Hope 2008, origen de OBEY Giant en una pegatina de skate, ediciones en tablas a través de Subliminal Projects). Laminado de 7 capas de arce canadiense con veta cruzada: el mismo sustrato en toda la producción seria de arte para tablas. Propuesta de DeckArts: obras maestras clásicas (Van Gogh, Klimt, Hokusai) en el mismo arce de primera calidad que las ediciones de Basquiat, Haring, Phillips. Conexión con Berlín: el azul prusiano se inventó en Berlín en 1704, el pigmento de la Gran Ola de Hokusai y La noche estrellada de Van Gogh. Tablas de coleccionista vs. tablas de arte mural: coleccionista = edición limitada, certificada por el artista, mercado de bellas artes; arte mural = objeto de diseño de interiores, calidad de archivo UV, sin límites de edición. DeckArts desde ~$140. Arce canadiense. Calidad de archivo UV de 100+ años. Berlín. Devolución en 30 días.
Sobre el autor
Stanislav Arnautov es el fundador de DeckArts y director creativo, originario de Ucrania, ahora radicado en Berlín. Con experiencia en branding, diseño de merchandising y gráficos vectoriales, Stanislav conecta el arte clásico, la cultura del skate y el diseño de interiores contemporáneo a través de arte mural de skate prémium.
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