Julio de 2026 · Entrevista de Stanislav Arnautov · Berlín–Praga · 16 min de lectura
Yehor Bread es un artista que trabaja en ilustración, libros visuales, tatuaje y música, originario de Crimea y actualmente radicado en Praga. Cinco de sus diseños están en el catálogo de deckarts a 140 € cada uno. Hablamos sobre trabajar en distintos medios, por qué las limitaciones ayudan y por qué no intentaría convencer a nadie de que comprara su trabajo.
Lee los títulos de las cinco tablas juntos y algo se vuelve obvio.
Good news. User manual. Parental advisory. Best regards. Approximate calculation.
Cada una es una frase de la vida administrativa ordinaria — la firma de un correo electrónico, una etiqueta de advertencia, el encabezado de un folleto de instrucciones, una línea de una factura. Ninguna de ellas es el tipo de lenguaje al que el arte suele recurrir. Ese es el punto, y es el hilo conductor de todo lo que sigue.
Trabajar en distintos medios
Trabajas en libros visuales, ilustración, tatuaje y música. ¿Cómo terminaste en la frontera entre las formas en lugar de dentro de una de ellas?
He estado creando cosas desde que era muy joven. De adolescente, mis amigos me arrastraron a la música, pero en ese momento no pensaba mucho en lo que estaba haciendo ni por qué. Simplemente me gustaba dibujar y aprender a tocar.
Más tarde, cuando empecé a desarrollar mi perspectiva deliberadamente —a través de la cultura y la contracultura, la filosofía, los viajes—, surgió la pregunta: ¿quién soy, para qué sirvo, hacia dónde voy? Durante mucho tiempo me molestó no poder nombrar mi especialización creativa. Entonces, en algún momento, me di cuenta de que al definirme me estaba estrechando, recortando precisamente los bordes ásperos que hacen que una persona sea individual.
La multidisciplinariedad resultó ser una característica, no un defecto. Lo que me interesa es cómo reacciona mi forma de ver cuando cambia el medio. Cada vez te redescubres: miras un bordado, un libro, una ilustración, un tatuaje o una pieza musical y te das cuenta —también puedo ser esto. Es una especie de autorretrato. Quitas el polvo de un libro y el patrón de la portada se ve con más claridad. Es algo absorbente de hacer, y se alimenta a sí mismo.
Dónde comienza una obra
Describes la búsqueda del momento en que una emoción o un recuerdo se convierte en forma física. ¿Cómo se ve eso realmente en la práctica?
Esta es la pregunta más interesante de mi práctica, porque es difícil ponerla en palabras o racionalizarla. Se forma un vórtice —una extraña ensalada de emociones, pensamientos, opiniones y experiencias. En algún momento todo se conecta, y un instante después se desmorona en fragmentos. Como una picadora que lo tritura todo en uno.
Lo compararía con la forma en que Platón describió el proceso creativo: eres un cazador que persigue a su presa, y tienes que agotarla. No dejar que se escape, no soltarla, incluso cuando apenas la tocas.
Desde fuera probablemente parezco una medusa amorfa mirando fijamente una pared con ojos vidriosos. Pero describir el proceso por completo es difícil incluso para mí. Por muy banal que suene, realmente hay algo místico en ello que se resiste a ser expresado verbalmente.
Por qué las palabras
Gran parte de tu trabajo es texto —GOOD NEWS, USER MANUAL, PARENTAL ADVISORY. ¿Por qué las palabras? ¿Qué hace una frase que una imagen no puede?
El texto funciona como una capa adicional de significado. A veces apoya la imagen, a veces te invita a mirarla desde un lado completamente diferente. Así es como se abren significados inesperadamente irónicos, paradójicos. Y a veces el texto resulta ser algo totalmente mundano —esa es su dualidad.
Lo que me importa es mostrar a una persona no solo una imagen, sino una especie de sistema. Así, una obra puede consistir en texto, imagen, texturas, sonidos, fotografías, insertos literarios y referencias culturales. Añade profundidad y amplía el espacio para la interpretación. Es un juego grande: al introducir una instrucción adicional, le das niveles adicionales.
Aquí es donde los títulos de las cinco tablas merecen una segunda mirada. Best regards es cómo terminas un mensaje para alguien a quien no conoces bien. Parental advisory es una etiqueta aplicada a algo juzgado como inadecuado. Approximate calculation es lo que se llama a un estimado cuando nadie quiere comprometerse con un número. User manual asume que hay una forma correcta de operar la cosa.
Cada frase lleva consigo todo un tono de voz —educado, burocrático, de advertencia— y ninguno de esos tonos pertenece a la imagen de abajo. La brecha entre los dos es la obra.
Crimea, y lo que quedó
Eres de Crimea y ahora vives en Praga. ¿Qué de esas raíces todavía alimenta el trabajo?
He vivido en muchas ciudades y he viajado mucho haciendo autostop, siempre llevando conmigo un sentido de hogar. Era una mochila mental que contenía una calidez envolvente. Durante unos veinte años viví en un lugar donde tanto el mar como las montañas estaban al alcance de una caminata. Cualquiera que haya vivido en Crimea entiende esa extraña sensación: la falta de prisa, la sensación de que la vida es infinita. No necesitas nada. Todo lo que necesitas ya está allí —montañas, enebros, aire cálido del mar, personas afines, e indiferencia al tiempo.
Tocábamos música todos los días: improvisando, actuando en la calle, dando conciertos. Una vez a la semana intentaba hacer autostop a algún lugar sin destino. Como dijo un amigo mío en ese entonces, "descansar sin cansarse". Era una vida aventurera salida directamente de una película.
La otra cosa que importa es que he estado esquiando y haciendo snowboard casi desde que podía caminar. Desde unos diez años, mi hermano mayor me arrastraba a fiestas y competencias de snowboard. Esa sensación de impulso, juventud y temeridad me atrapó en ese entonces. Solo quince años después entendí que los cimientos de cómo veo el mundo se pusieron en ese momento exacto. Creo que los deseos y la perspectiva de la infancia forman la base de una persona. Después de eso es una pregunta para el adulto: ¿entiende cómo todavía lo gobierna, y puede actuar según lo que quería de niño?
Música e imagen
Música psicodélica y arte visual — ¿cómo están conectados en tu cabeza?
En el trabajo visual y musical, lo que me importa es transmitir un solo estado. Son medios diferentes con una idea: hablar de algo que no tiene forma. Sobre lo que viene antes de la forma.
El trabajo creativo no tiene que ser hermoso ni bien ordenado, pero tiene que tratar sobre algo. No siempre necesita una forma comprensible. A veces incluso el arte feo es arte hermoso.
No llegamos a conocernos mirando en un espejo. El método más verdadero es hacer cosas. Ese es el verdadero espejo de una persona.
Aberración cromática, redes ramificadas, anatomía de insectos —el equivalente visual de lo que él describe como un estado en lugar de un tema.
La tabla como limitación
¿Qué sentiste al ver tu trabajo en una tabla real en lugar de en una pantalla o papel?
Es una de las cosas que más me impulsa. Primero está la idea de hacer un proyecto, y algún tiempo después estás sosteniendo el producto en el que trabajaste. Es la materialización de tu propio pensamiento.
Más que eso, es algo que la gente usa y siente algo al mirarlo. Cuando hice mi primera colaboración con un equipo de skate fue una alegría infantil, sin disimulo. Fue especialmente bueno ver tablas con mis impresiones sostenidas por personas que no conocía. Esa sensación cubre más que todos los inconvenientes que existen en cualquier profesión.
La tabla es estrecha, vertical, opinada. ¿Cambió cómo construyes una composición?
Este es el caso en que una limitación se convierte en la principal ventaja. Me gusta trabajar en proyectos con limitaciones duras en formato, color o idea. Una limitación da un impulso enorme al enfoque creativo, porque te obliga a encontrar lo no obvio. Cuando tienes todas las posibilidades disponibles, el movimiento creativo puede literalmente estancarse. El formato estrecho de la tabla ya es una restricción inicial muy dura. Tienes que trabajar con lo que hay y encontrar la respuesta en condiciones ajustadas, a veces incómodas.
Se convierte en un juego y un desafío personal, casi un duelo. O lo tomas o te toma. Pero sabes que no tiene ninguna posibilidad. Lo que queda es vivir a través de unos pocos intentos y averiguar de qué manera finalmente lo vences.
Esa respuesta vale la pena detenerse, porque describe desde adentro algo que este blog ha argumentado desde afuera. Los gráficos de skate siempre se han compuesto para la tabla en lugar de adaptarse a ella, lo cual es una razón por la que el formato ha producido un trabajo tan distintivo durante cincuenta años —la historia de los gráficos de tablas cubre eso. Una reproducción de una pintura rectangular tiene que negociar con la forma. El trabajo hecho para ella no.
La que sigue volviendo
¿Cuál de tus tablas está más cerca de ti, y por qué?
En cada tabla intenté construir un sistema gráfico y semántico separado. Pero la tabla con la sonrisa y las palabras "Was It Good Enough?" me parece la más interesante. Dramatúrgicamente. En ella las capas visuales y textuales crean una línea literaria adicional. Surge una pregunta: ¿qué le pasó a esta persona, por qué se le cayó un diente, por qué tiene pintados los labios, por qué está sonriendo tan inquietante, y por qué está preguntando si fue lo suficientemente bueno? Está el hecho de una acción y una pregunta de cierre, pero no hay principio de la historia. Esa incompletitud deja espacio para la interpretación: una pelea, sexo, algún incidente absurdo. El trabajo nos dice inmediatamente que ocurrió un evento, y al mismo tiempo no nos dice nada al respecto.
Esa tabla salió de una colaboración diferente y no está en el catálogo de deckarts —pero el mecanismo que él describe es exactamente en lo que se basan las cinco tablas aquí.
Sobre dudar
Tu trabajo es conceptual y no decorativo en el sentido usual. ¿Qué le dirías a alguien a quien le gusta una pieza pero duda en poner algo tan inusual en su pared?
No recomendaría nada. Si una persona duda, lo más probable es que no esté lista. No voy a persuadir a nadie, y estoy bien con el hecho de que algunas personas no entienden completamente lo que hago.
Cada producto encontrará a su persona y a tres personas que no lo entienden. Puedes hacerte más ampliamente entendido, pero para hacer eso tienes que moverte hacia el cliché, el pop y los bienes de mercado masivo. Eso es lo que menos quiero. Así que estoy agradecido con las personas y equipos que valoran y apoyan lo que hago. Hago arte bastante de nicho, y ese es exactamente donde está su valor: funciona como un filtro. Y eso está bien.
Un filtro, en sus propias palabras — un trabajo que no intenta gustar a todo el mundo.
Más allá de las tablas
Las cinco tablas son el resultado de una práctica mucho más amplia, y el archivo hace explícita la conexión con lo que él dijo sobre la filosofía.
Dos de sus ilustraciones del archivo toman sus títulos directamente de Nietzsche. Más allá del bien y del mal (2022) construye su composición en torno a uno de los aforismos más conocidos y lo sitúa frente a un campo de nodos naranjas ramificados y un crisantemo de bordes marcados. Humano, demasiado humano (2022) toma el otro título y lo puebla con un torso clásico de mármol, un hombre de cara verde, un esqueleto rojo, un loro azul y un carnero — un catálogo de lo que la frase podría abarcar.
Este es el mismo dispositivo que las tablas, ejecutado a mayor escala. Una frase prestada llega cargada de su propio peso —en este caso, un siglo y medio de filosofía— y la imagen subyacente no la ilustra ni la ignora. La fricción es el contenido.
No todo es lúdico.
Un bufón con rayas naranjas y amarillas, cara de calavera, que lleva una bandera en una mano y arrastra un globo amarillo, se yergue frente a tres palabras en una tipografía enorme: GUERRA TERROR VIOLENCIA. La fecha en ella es febrero de 2024. El artista es de Crimea. La imagen no se explica y no necesita hacerlo.
La práctica también se extiende a los libros impresos y al trabajo a escala arquitectónica —una instalación de paso mostrada en junio de 2024, con sus paredes cubiertas de borde a borde con collage en blanco y negro: un lobo, una Venus, superposiciones geométricas, códigos QR que enlazan a su música.
Dónde encontrar su trabajo
El trabajo visual vive principalmente en Instagram y Behance.
Para la música, SoundCloud alberga el archivo —sets en vivo, jams y bocetos psicodélicos, muchos de los cuales nunca alcanzaron una forma final. Los lanzamientos terminados están en Spotify, Apple Music y YouTube Music.
Tablas de Yehor Bread — 140 € cada una, 85 × 20 cm
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Dónde pertenecen estas tablas
Estas son piezas de declaración en el sentido en que la guía de arte contemporáneo y pop utiliza el término: impulsadas por el texto, de alto contraste, hechas para ser leídas de un vistazo. Eso significa que quieren una pared para ellas solas en lugar de un lugar en un grupo. Colgadas junto a un trabajo pictórico, discuten con él; colgadas solas en una pared estrecha, hacen exactamente lo que están destinadas a hacer.
También pertenecen a una pared clara en lugar de una oscura. Como todo trabajo gráfico de color plano, dependen del contraste que la pared no debe absorber —la guía de color explica por qué el período y la construcción importan más que la coincidencia de la paleta. El tamaño y el montaje se cubren en la guía de tamaños y la guía de montaje.
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Entrevista realizada en ucraniano y traducida para su publicación. Las respuestas son propias de Yehor Bread; editadas solo por longitud y claridad. Obra de arte © Yehor Bread.
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