Última actualización: julio de 2026 · Por Stanislav Arnautov · Berlín · 14 min de lectura
Respuesta rápida: las tablas de skate eran lisas hasta mediados de la década de 1970. Los gráficos llegaron con las tablas Dogtown dibujadas a mano de Wes Humpston, se convirtieron en una industria con Powell-Peralta y Santa Cruz en la década de 1980, adquirieron un carácter confrontativo en la era del street de los años 90 y ahora son objetos de colección y exhibición. La razón es económica: una tabla es un producto consumible, por lo que el gráfico era lo único que distinguía una pieza de arce prensado de otra.
La mayoría de los relatos sobre los gráficos de las tablas describen décadas sin mencionar a nadie. Este sí menciona a las personas, porque son los detalles lo que hace que la historia merezca la pena contarse.
Los años de las tablas lisas
Los primeros monopatiles eran improvisados. En el sur de California de los años 50, los surfistas quitaban los ejes y las ruedas de los patines y los atornillaban a tablas de madera; el objetivo era patinar cuando el mar estaba plano, y no había ninguna razón para decorar nada.
Las tablas comerciales aparecieron a principios de los años 60, pero las ruedas eran de arcilla o acero, el patinaje era peligroso y el primer auge colapsó alrededor de 1965 casi tan rápido como había comenzado. Durante aproximadamente una década, el skate estuvo a punto de desaparecer como industria. No se imprimía nada en la parte inferior de las tablas porque apenas existía un mercado de tablas del que hablar.
La rueda que lo reinició todo
El resurgimiento se debió a un material, no a un diseño. A principios de los años 70, Frank Nasworthy comenzó a vender ruedas de poliuretano —comercializadas como Cadillac Wheels— y cambiaron lo que un monopatín podía hacer. El poliuretano ofrecía agarre, rodaba sobre terreno irregular y no se deslizaba por debajo del patinador como hacía la arcilla.
El skate se volvió viable, luego popular, y una industria se reconstruyó en torno a él. Santa Cruz Skateboards se fundó en 1973. Powell-Peralta llegó poco después en la década, cuando George Powell se asoció con el patinador Stacy Peralta. Ahora existían empresas que necesitaban diferenciarse, y la parte inferior plana de la tabla era el único espacio disponible.
Wes Humpston y los primeros gráficos
La persona a la que más se le atribuye haber convertido esa superficie en un lienzo es Wes Humpston. Trabajando en la escena Dogtown de Venice y Santa Mónica en la segunda mitad de los años 70, dibujaba a mano en la parte inferior de las tablas: cruces, letras, densos trazos —primero para él y sus amigos, luego como identidad de Dogtown Skates.
Su importancia radica en que el gráfico inferior había sido hasta entonces inexistente o un logotipo. Humpston lo trató como una superficie de dibujo, y la idea caló de inmediato. En pocos años, todas las empresas, sin importar su tamaño, tenían a alguien haciendo lo mismo, y la parte inferior de una tabla se había convertido en el elemento de diseño más visible del skate, porque es lo que ve el público cuando una tabla está en el aire.
La década de 1980: VCJ y Jim Phillips
Dos artistas dominan la década, y su obra sigue en circulación cuarenta años después.
Vernon Courtlandt Johnson, generalmente acreditado como VCJ, creó la identidad visual de Powell-Peralta. Su motivo de calavera y espada, el Winged Ripper, y los gráficos de los modelos profesionales de los patinadores de Bones Brigade pusieron en circulación masiva imágenes heráldicas, góticas y esqueléticas entre los adolescentes, años antes de que ese vocabulario llegara al diseño convencional. Los dibujos son densos, simétricos y con mucho negro, diseñados para leerse desde la distancia en una tabla en movimiento.
Jim Phillips realizó un trabajo equivalente en Santa Cruz, pero en un registro completamente diferente: brillante, estridente, derivado de los dibujos animados y más cercano a las ilustraciones de revistas de coches tuneados y monstruos que a la heráldica. Su Screaming Hand, dibujada en 1985, ha sobrevivido al contexto para el que fue creada y ahora es una de las imágenes gráficas más reproducidas de la época, impresa en muchas más camisetas y pegatinas que en monopatiles.
Ambos hacían ilustraciones comerciales para una empresa de artículos deportivos. Ninguno trabajaba en un contexto artístico. Precisamente por eso su obra es tan extraña como lo es.
Por qué las tablas llevaban arte tan extraño
Esta es la parte que normalmente se omite, y lo explica todo.
Una tabla es un producto consumible. Se desgasta, se delamina o se rompe, y un patinador que patina regularmente reemplaza las tablas constantemente. Ese único hecho impulsó toda la cultura visual.
Como las tablas se desgastan, las empresas vendían para que los clientes volvieran a comprar. Como una tabla de una fábrica es físicamente muy similar a la de otra, casi no había nada con lo que competir excepto con el gráfico. Y como los clientes eran adolescentes que premiaban lo extraño en lugar de un comité de clientes que lo castigaba, el arte se aventuró en territorios que ningún producto de consumo ordinario tocaría: calaveras, símbolos ocultistas, sangre y humor de mal gusto.
No había ninguna galería que satisfacer ni ninguna revisión de seguridad de marca. Los gráficos de skate de este período son uno de los pocos grandes conjuntos de ilustraciones comerciales producidos casi sin restricciones, por lo que todavía parecen no tener nada que ver con lo demás.
La década de 1990: tablas más pequeñas, bromas más ácidas
El skate de calle desplazó al vert en los últimos años 80 y principios de los 90, y las tablas cambiaron de forma con él: más estrechas, más simétricas y con el contorno de doble punta que sigue siendo estándar hoy. Los gráficos también cambiaron.
World Industries, fundada por Steve Rocco en 1987, marcó el tono: gráficos que parodiaban logotipos corporativos, se burlaban de empresas rivales y buscaban ofender deliberadamente, en gran parte dibujados por Marc McKee. Algunos han envejecido mal y otros fueron concebidos para ser indefendibles en su momento. De cualquier manera, alejaron el arte de las tablas de la ilustración como decoración hacia los gráficos como comentario.
En el otro extremo, Girl Skateboards —fundada en 1993 con Andy Jenkins y Evan Hecox definiendo su estética— introdujo la moderación de las escuelas de diseño en el mismo mercado: tipografía más limpia, diseños más cuidados y una estética tomada del diseño gráfico de mediados del siglo XX en lugar de de los cómics de monstruos.
La tabla como objeto de colección y pieza de exhibición
Dos cosas sucedieron a partir de los años 2000.
Las tablas se convirtieron en objetos de colección. Las tablas originales de Powell-Peralta y Santa Cruz de los años 80, especialmente las nunca patinadas, pasaron a un mercado secundario serio. La prolongada serie de colaboraciones de Supreme con artistas produjo tablas que se compraron para conservarlas en lugar de patinarlas casi desde el principio, y una colección completa se subastó en Sotheby's en 2019, la señal más clara de que los objetos habían abandonado por completo la categoría de artículos deportivos.
Los patinadores resultaron ser artistas. Ed Templeton, fundador de Toy Machine, ha exhibido pintura y fotografía internacionalmente durante décadas. La exposición de 2004 y el posterior documental Beautiful Losers agruparon a un conjunto de artistas que habían surgido de la cultura del skate y de la calle en lugar de de las escuelas de arte, y dejaron explícita esa conexión.
Para entonces, la tabla era un formato reconocido para que los artistas trabajaran y un objeto reconocido para colgar en la pared.
Dónde encajan las tablas para arte mural
Las tablas hechas específicamente como arte mural son un desarrollo posterior y diferente, y vale la pena aclarar la distinción en lugar de difuminarla.
Una tabla coleccionable de Powell-Peralta de 1985 es un objeto histórico: fue fabricada para patinar, lleva un gráfico dibujado para ese propósito y su valor proviene de su procedencia y escasez. Una tabla impresa hoy como arte mural no es eso. Es una tabla lisa nueva utilizada como soporte, elegida porque sus proporciones y su material se adaptan al trabajo. No es un artefacto histórico y no aumenta de valor.
Lo que se traslada es la razón por la que el formato funciona en absoluto. Los artistas del skate siempre compusieron para un campo vertical estrecho con extremos redondeados en lugar de adaptar imágenes rectangulares a él, y diseñaron para que se pudiera leer desde la distancia y en movimiento. Esos son los mismos requisitos que una pared vista desde el otro lado de una habitación.
El catálogo de deckarts lleva esa superficie en dos direcciones: reproducciones de pinturas de dominio público, cubiertas en las guías de arte renacentista, arte japonés, Van Gogh, Klimt y arte moderno; y diseños contemporáneos originales, cubiertos en la guía de arte contemporáneo y pop art, que se acerca más a la tradición gráfica descrita anteriormente.
Colecciones relacionadas: nuestras tablas de skate de arte contemporáneo y pop art y arte mural de skate renacentista y clásico.
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Preguntas frecuentes
¿Cuándo recibieron los monopatiles gráficos por primera vez?
A mediados y finales de los años 70. Las tablas de los años 50 y 60 eran lisas, y la industria casi desapareció después de que el primer auge colapsara alrededor de 1965. El resurgimiento llegó con las ruedas de poliuretano de Frank Nasworthy a principios de los años 70, que hicieron que el skate fuera lo suficientemente viable como para que las empresas se reconstruyeran en torno a él: Santa Cruz se fundó en 1973, Powell-Peralta poco después en la década. Wes Humpston, trabajando en la escena Dogtown de Venice y Santa Mónica, es la persona a la que más se le atribuye haber convertido la parte inferior de la tabla en una superficie de dibujo en lugar de un espacio para un logotipo, dibujando a mano cruces y densos trazos primero para amigos y luego como identidad de Dogtown Skates. La idea se difundió casi de inmediato, porque la parte inferior de una tabla es el elemento de diseño más visible del skate: es lo que todos ven cuando la tabla está en el aire.
¿Quiénes fueron los artistas gráficos de monopatiles más importantes?
Dos nombres dominan la década de 1980. Vernon Courtlandt Johnson, acreditado como VCJ, creó la identidad visual de Powell-Peralta, incluyendo el motivo de calavera y espada y el Winged Ripper, poniendo imágenes heráldicas, góticas y esqueléticas en circulación masiva entre los adolescentes años antes de que el diseño convencional adoptara ese vocabulario. Jim Phillips hizo el trabajo equivalente en Santa Cruz en un registro completamente diferente: brillante, estridente y derivado de los dibujos animados, más cercano a las ilustraciones de revistas de coches tuneados y monstruos, y su Screaming Hand, dibujada en 1985, se ha convertido en una de las imágenes gráficas más reproducidas de la época. Anteriormente, Wes Humpston estableció la práctica misma. En los años 90, el trabajo de Marc McKee para World Industries empujó los gráficos hacia la parodia y la provocación, mientras que Andy Jenkins y Evan Hecox trajeron la moderación de las escuelas de diseño a Girl Skateboards.
¿Por qué se permitió que el arte de skate fuera tan extraño?
Debido a cómo funciona el producto económicamente. Una tabla es un producto consumible: se desgasta, se delamina o se rompe, y un patinador regular reemplaza las tablas constantemente, por lo que las empresas vendían para que los clientes volvieran a comprar. Dado que una tabla de una fábrica es físicamente muy similar a la de otra, casi no había nada con lo que competir excepto con el gráfico. Y los clientes eran adolescentes que premiaban lo extraño en lugar de un comité de clientes que lo castigaba. No había ninguna galería que satisfacer ni ninguna revisión de seguridad de marca, lo que empujó el trabajo a territorios que ningún producto de consumo ordinario tocaría: calaveras, símbolos ocultistas, sangre y ofensa deliberada. Los gráficos de skate de este período son uno de los pocos grandes conjuntos de ilustraciones comerciales producidos casi sin restricciones, por lo que todavía parecen no tener nada que ver con lo demás.
¿Una tabla para arte mural es lo mismo que un monopatil de colección?
No, y vale la pena mantener clara la distinción. Una tabla original de Powell-Peralta o Santa Cruz de los años 80 es un objeto histórico: fue fabricada para patinar, lleva un gráfico dibujado para ese propósito y deriva su valor de su procedencia y escasez, por lo que tales tablas pasaron a un mercado secundario serio y por lo que Sotheby's subastó una colección completa de tablas Supreme en 2019. Una tabla impresa hoy como arte mural es algo diferente: una tabla lisa nueva utilizada como soporte porque sus proporciones y su material se adaptan al trabajo. No es un artefacto histórico y no aumenta de valor. Lo que se traslada de la tradición es la lógica compositiva: los artistas del skate siempre diseñaron para un campo vertical estrecho con extremos redondeados, y para que se pudiera leer desde la distancia, que son los mismos requisitos que una pared vista desde el otro lado de una habitación.
¿Quién dibujó la Screaming Hand?
Jim Phillips dibujó la Screaming Hand para Santa Cruz Skateboards en 1985. Se convirtió en una de las imágenes más reproducidas del skate.
¿Quién era VCJ?
VCJ es Vernon Courtland Johnson, el artista detrás de muchos de los gráficos de Powell Peralta en los últimos años 70 y 80, incluyendo las calaveras, el Ripper y los diseños de dragón asociados con el equipo Bones Brigade.
¿Cuándo cambiaron las ruedas de poliuretano el skate?
Frank Nasworthy introdujo las ruedas de poliuretano para monopatiles a principios de los años 70. Su agarre y suavidad revivieron el skate después del colapso de mediados de los años 60, lo que llevó al auge en el que aparecieron los gráficos de las tablas.
Resumen del artículo
Los monopatiles eran lisos durante los años 50 y 60, y la industria casi colapsó alrededor de 1965 antes de que las ruedas de poliuretano de Frank Nasworthy hicieran que el skate fuera viable de nuevo a principios de los años 70, permitiendo que empresas como Santa Cruz en 1973 y Powell-Peralta poco después en la década se reconstruyeran en torno a él. Wes Humpston, trabajando en la escena Dogtown, es la persona a la que más se le atribuye haber convertido la parte inferior de una tabla de un espacio para un logotipo en una superficie de dibujo. Los años 80 estuvieron definidos por dos artistas en registros opuestos: el trabajo heráldico de calavera y espada de Vernon Courtlandt Johnson para Powell-Peralta, y los gráficos brillantes derivados de los dibujos animados de Jim Phillips para Santa Cruz, incluyendo la Screaming Hand de 1985. La extrañeza del trabajo tiene una explicación económica: una tabla es un producto consumible, una pieza de arce prensado es muy similar a otra, por lo que el gráfico era el único punto de diferencia, y el público adolescente premió exactamente lo que un comité de clientes habría eliminado. Los años 90 trajeron tablas de calle más estrechas, la parodia y provocación de World Industries, y la moderación de las escuelas de diseño de Girl Skateboards. A partir de los años 2000, las tablas se convirtieron en objetos de colección y los artistas derivados del skate entraron en galerías. Las tablas hechas hoy como arte mural son un desarrollo separado: nuevas tablas lisas utilizadas como soporte, que trasladan la lógica compositiva en lugar de la procedencia.
Acerca del autor
Stanislav Arnautov es el fundador de deckarts, un diseñador gráfico y especialista en impresión originario de Ucrania, ahora radicado en Berlín, donde diseña y prepara personalmente cada tabla.
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