Entrevista · Por Stanislav Arnautov · Berlín · 8 min de lectura
Hay mucho gris en el mundo de Hadar ahora mismo. Obras de construcción. Andamios. Hormigón. Calles destrozadas y que se están reconstruyendo. Vive en Israel, y gran parte de las construcciones que la rodean existen porque algo se dañó y ahora hay que reconstruirlo.
Su arte es todo lo contrario al gris. Es ruidoso, cálido, divertido e increíblemente colorido: personajes con actitud, diminutas pegatinas escondidas en las esquinas y la sensación de que alguien se lo está pasando de verdad bien. Trabaja como Citrus Rock, y tres de sus ilustraciones ahora viven en deckarts maple.
Le preguntamos cómo uno se convierte en el otro.
Encontrar un estilo no es un rayo fulgurante
Citrus Rock tiene un aspecto tan reconocible: personajes atrevidos y coloridos llenos de actitud. ¿Cómo llegaste a este estilo «pop grotesco»?
«Definitivamente no fue algo que descubrí de la noche a la mañana. Durante mucho tiempo no estaba segura de cuál era mi estilo».
«En un momento dado, me propuse dibujar todos los días durante 30 días con un solo objetivo: descubrir mi propio lenguaje visual. Me encontré dibujando constantemente personajes coloridos, inspirados en la calle, con personalidades exageradas. Realmente disfrutaba creándolos y, poco a poco, se volvieron más refinados. Mirando atrás, ese desafío fue el comienzo de lo que eventualmente se convirtió en mi estilo actual».
Es una respuesta discretamente alentadora. El estilo no llegó completamente formado: se encontró cumpliendo, treinta días seguidos, y prestando atención a lo que seguía saliendo de su mano.
Por qué el gris la lleva a recurrir al color
Has mencionado que las obras de construcción grises y los andamios te inspiran, que casi los ves como spots de skate. ¿Cómo se transforma esa energía cruda y caótica de la ciudad en algo tan colorido y alegre en tu trabajo?
«¡Sí! Realmente hay obras de construcción por todas partes a mi alrededor. Creo que estar rodeada de tanto gris naturalmente hace que anhele aún más el color».
Hay gente que dice que los artistas deberían dibujar en papel gris en lugar de blanco, y aunque sigo dibujando en papel blanco, creo que hay algo en esa idea que realmente resuena conmigo. El gris me hace querer crear. Me hace querer devolver el color al mundo.
Me encanta encontrar belleza y diversión en lugares que la mayoría de la gente pasa por alto, y de alguna manera las obras de construcción, los andamios y los espacios inacabados se han convertido en parte de esa inspiración visual».
«El gris me hace querer crear. Me hace querer devolver el color al mundo».
Los andamios como símbolo de nuevos comienzos
¿Cómo se refleja en tu arte el vivir en Israel, sus calles, contrastes y energía?
«El difícil período por el que hemos pasado, y seguimos pasando, en Israel me ha enseñado mucho sobre mí misma».
He visto mucho gris y oscuridad. Muchas de las obras de construcción a mi alrededor existen porque hogares y calles han sido dañados y se están reconstruyendo. Aunque hay tanto hormigón y andamios alrededor, ya no los veo como símbolos de destrucción. Para mí, representan nuevos comienzos: lugares que pronto volverán a tener vida, color y significado.
Cuando el mundo a tu alrededor comienza a reconstruirse, te anima a reconstruirte también.
Por eso se ha vuelto tan importante para mí llenar mis ilustraciones de optimismo, colores atrevidos y personajes alegres. Es mi manera de crear el tipo de mundo que quiero ver a mi alrededor.
Crear ilustraciones alegres se ha convertido en mi manera de añadir un poco más de color al mundo, y tal vez recordarles a las personas que, incluso después de tiempos difíciles, siempre hay espacio para volver a construir algo hermoso».
Los personajes son ella, en un día determinado
Tus personajes tienen tanta personalidad y humor. ¿De dónde vienen: de personas reales, estados de ánimo, la imaginación?
«Mis personajes vienen de mí. Por lo general reflejan cómo me siento en ese momento, o a veces cómo desearía sentirme».
La mayor parte del tiempo no empiezo con un plan claro. Simplemente dejo que mi mano marque el camino y veo hacia dónde quiere ir el personaje. Esa es una de mis partes favoritas del proceso: siempre me sorprende».
¿Hay algún sentimiento o mensaje que esperes que la gente se lleve cuando mira tu trabajo?
«Más que nada, espero que mi trabajo haga sonreír a la gente».
Me encanta usar colores atrevidos y vibrantes porque naturalmente me hacen sentir feliz, y espero que puedan traer un poco de optimismo a quienquiera que los mire».
Ver el trabajo salir de la pantalla
¿Qué pasó por tu mente la primera vez que viste tu arte en un deck de skate real en lugar de en una pantalla?
«Sinceramente, fue una sensación increíble».
Ver mi ilustración existir en el mundo real en lugar de solo en mi iPad hizo que todo se sintiera mucho más real. Me recordó que la ilustración no tiene que quedarse en una pantalla: puede convertirse en algo que la gente realmente sostiene, usa y con lo que conecta. Espero que sea la primera de muchas obras como esa».
¿La forma larga y estrecha de un deck cambia cómo abordas una composición?
«¡No para estas ilustraciones! De hecho, no sabía que acabarían en decks de skate cuando las creé».
«Pero ahora que he visto lo bien que la ilustración puede vivir en ese formato, sé que definitivamente pensaré en la forma y composición del deck desde el principio en futuros proyectos».
La versión honesta de la respuesta que dan otros artistas al revés es esta: Yehor Bread compone deliberadamente para la forma y llama a la restricción una ventaja, mientras que estas ilustraciones llegaron primero y encontraron el formato después. Ambos funcionan, por una razón que la historia de los gráficos de decks explica: el trabajo centrado en personajes con contornos fuertes sobrevive mejor en el campo estrecho que casi cualquier otra cosa.
El que colgó en su propio hogar
De tus tres decks con nosotros — Reach the Sky, Proud Moment, Time of My Life — ¿cuál está más cerca de tu corazón, y cuál es la historia detrás?
«"Reach the Sky" es definitivamente el que está más cerca de mi corazón, y también es el que elegí para colgar en mi propio hogar».
Es probablemente la ilustración en la que me permití divertirme más con los pequeños detalles. La llené de pequeñas pegatinas y objetos que reflejaban lo que estaba pasando en mi vida en ese momento. Por ejemplo, hay una pequeña pegatina de un planeta porque estaba leyendo un libro sobre el espacio, una pegatina de un diente porque me dolía la muela del juicio (¡historia real!), e incluso un logotipo de moda inspirado en una marca con la que había trabajado recientemente.
Cuando compartí la ilustración por primera vez, la combiné con la frase 'Encuentra Tu Propio Camino para Alcanzar el Cielo'. El personaje se sentía como un reflejo de mí misma, y quería que animara tanto a mí como a cualquiera que lo mirara a seguir su propio camino hacia sus sueños de la manera más auténtica posible».
Lo que significa que si cuelgas Reach the Sky en tu pared, también estás colgando una muela del juicio, un libro sobre el espacio y un pequeño chiste privado. Mira de cerca.
¿Miedo al color? No lo tengas
Esta es la pregunta que más queríamos hacer, porque escuchamos constantemente la vacilación: a la gente le encanta el arte atrevido, luego entra en pánico por comprometerlo en una pared.
Para alguien que ama el arte atrevido pero se siente nervioso por poner algo tan colorido en su pared, ¿qué le dirías?
«¿Sinceramente? Te sorprendería lo mucho menos intenso se siente una vez que realmente está en la pared (¡aunque tal vez simplemente estoy acostumbrada a decorar mi propio espacio con mi arte!)
Realmente creo que estas tablas atraen naturalmente a personas con una cierta personalidad: personas que no tienen miedo al color. Mi sentimiento es que si este tipo de obra de arte te habla, probablemente no lo pensarás demasiado. Simplemente sabrás que es para ti».
Coincide con lo que vemos en la práctica. Una pieza atrevida casi siempre se lee más tranquila en una habitación que en una pantalla, porque una pared le da aire, distancia y contexto. La miniatura te está gritando desde veinte centímetros de distancia. La cosa real está al otro lado de la habitación, sosteniendo una esquina de un espacio.
Y un deck es un formato indulgente precisamente por esta razón. Es estrecho. Ocupa una delgada franja vertical en lugar de dominar toda una pared, por lo que obtienes toda la personalidad de una obra de arte atrevida con una fracción de la huella visual. Si has estado dando vueltas a la idea del color, un solo deck es la forma de bajo riesgo de entrar.
Una nota práctica: el trabajo construido a partir de color plano y brillante pertenece en una pared clara en lugar de una oscura, ya que una pared oscura absorbe exactamente el contraste del que depende. Nuestra guía de color cubre esto, y la guía de tamaños tiene las medidas antes de que te comprometas con una pared.
Dónde encontrarla
Los decks Citrus Rock de Hadar — Reach the Sky, Proud Moment y Time of My Life — están impresos en arce canadiense de primera calidad, mate, con soportes de pared vendidos por separado.
Puedes seguir su trabajo en Instagram en @citrusr0ckk, o explorar más proyectos y productos en citrusrock.store.
Gracias, Hadar. 🍋
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