Entrevista · Por Stanislav Arnautov · Berlín · 8 min de lectura
La mayoría de la gente quiere que el arte en su pared sea bonito. Stefano Borella prefiere que provoque una discusión.
El ilustrador italiano —mejor conocido como SteBore— dibuja monjas con gafas de sol negras y dientes de oro, un buitre levantando el dedo corazón y figuras captadas en pleno grito. Su obra es divertida e inquietante en proporciones casi iguales, y no se disculpa en absoluto por la segunda parte. Cuatro de sus piezas ahora viven en deckarts maple.
Le preguntamos por qué la incomodidad es el objetivo. (Nuestra entrevista con Citrus Rock trataba sobre verter color en el mundo. Esta va en la dirección opuesta.)
De las agujas de tatuaje al arte fino
Creciste rodeado de lápices, cerámicas y esculturas. ¿Cómo llegaste al estilo crudo y gráfico que tienes ahora?
"El estilo que tengo hoy proviene principalmente de las experiencias laborales que he tenido la suerte de tener a lo largo de los años: agencias gráficas, editoriales e incluso una tienda de tatuajes. Esa última es la que realmente le dio un giro concreto a mi forma de dibujar."
El blanco y negro, en aquel entonces, era lo que necesitaba para hacer tatuajes que fueran fáciles de ejecutar pero que aun así fueran efectivos en el resultado final. Con el tiempo dejé el tatuaje porque no me daba la libertad expresiva que encontré más tarde en el arte fino."
Eso lo explica mucho. Los contornos gruesos, los negros planos, la forma en que una figura se lee al instante desde el otro lado de una habitación — esa es la lógica del tatuaje, que aún corre por debajo de la obra.
"Simplemente estoy hecho así"
Tu obra a menudo se describe como tragicómica —caos, ironía y fragilidad todo a la vez. ¿Qué te sigue atrayendo de vuelta a esa mezcla?
"No lo llamaría una atracción por estos temas, sino más bien una cuestión de personalidad. Simplemente estoy hecho así. No puedo evitar ver lo trágicamente y maravillosamente irónico que todo es.
Como cuando nos sentimos la persona más genial de la habitación pero tenemos un moco del tamaño de un brazo colgando de la nariz. O cuando nos decimos 'todo va a estar bien' y cinco segundos después la vida nos golpea como un camión. O cuando nos sentimos como Dios pero ni siquiera podemos entendernos a nosotros mismos en nuestra propia intimidad.
Si puedo, trato de sacar una carcajada de ello —de esa manera lo grotesco no duele, se convierte en una oportunidad de conectar con otra persona. La forma en que represento las cosas es básicamente la representación de mi propia visión del mundo."
Qué la incomodidad puede hacer que la belleza no
Gran parte de tu arte es deliberadamente incómodo. ¿Qué puede hacer la incomodidad que la belleza no puede?
"Jaja, ¡excelente pregunta! La incomodidad te expone al instante.
Estás en un ascensor con otras cinco personas y alguien se tira un pedo. Puedes ser la persona más genial del mundo, pero toda esa fachada que construiste para parecer lo mejor de lo mejor simplemente se derrumba. O intentas mantenerla en pie de alguna manera ridícula —haciendo que la incomodidad en la habitación sea aún peor y básicamente delatándote— o todos simplemente miran de reojo en silencio a quien esté más cerca, incluso si esa persona resultara ser el Presidente de los Estados Unidos.
La incomodidad pone a todos en el mismo barco. Hace que todos sean vulnerables. Pero, por otro lado, también puedes montar esa incomodidad y convertirla en comedia —y ahí es cuando, para mí, has ganado."
"La incomodidad pone a todos en el mismo barco. Hace que todos sean vulnerables."
Detrás de la monja
Monjas con gafas de sol negras y dientes de oro. Un buitre levantando el dedo corazón. ¿De dónde vienen estos personajes?
"Estos personajes son mi forma de parafrasear temas más grandes. Incluso aquí, detrás del papel de 'monja', hay personas que desean, que sienten pasiones fuertes, que se cabrean. También es tragicómico.
Obviamente, como soy yo quien los dibuja, representan lo que pasa en mi cabeza —esa es mi explicación. La belleza del arte y los símbolos es que le cuentan a cada persona su propia porción de verdad, basada en sus propias experiencias personales. Así que estos personajes no necesariamente tienen que decir lo que yo digo."
Una muñeca inflable soplando burbujas de jabón
"Me gustaría, pero no puedo." — ese título se siente dolorosamente humano. ¿Cuál es la historia detrás de él?
"Esta pieza es parte de la serie NO TODO ES SEXO, y comparte el mismo concepto. Todas las obras en esa serie conectan el deseo con la esencia de quienes somos.
A veces pensamos que queremos cosas, situaciones, que en realidad no nos pertenecen —que no están realmente destinadas a nuestra personalidad. Creo que esa frustración está bien capturada por el esfuerzo inútil de una muñeca inflable tratando de soplar burbujas de jabón."
Que es, cuando te sientas con ello, una de las mejores descripciones de querer la cosa equivocada que hemos escuchado.
Más Italia de la que él se da cuenta
¿Cómo se muestra en lo que haces el vivir y trabajar en Italia?
"Creo que hay más Italia en lo que hago de lo que yo mismo me doy cuenta. Las monjas son el ejemplo más claro de cómo la cultura católica ha aflorado en mis dibujos.
Personas mayores, abuelas, animales de entornos rurales —vivo en una provincia agrícola— todos son piezas de mi vida pasada y presente. Estoy seguro de que incluso el dibujo más inofensivo, desechable lleva una pieza de quienquiera que lo hizo."
El patinador en línea que siempre miraba desde el lado
¿Qué pasó por tu mente la primera vez que viste tu obra en una tabla de skate real?
"Poner mi arte en una tabla de skate es una gran fuente de satisfacción, porque la cultura callejera es una parte viva de mi identidad.
Honestamente, pasé años como patinador agresivo en línea, siempre admirando el skate desde la distancia. Siempre he sentido que los dos mundos eran cómplices. Fue amor a primera vista."
Tus figuras son altas, alargadas, confrontacionales —casi parecen hechas para esa forma vertical. ¿Coincidencia?
"Tiendo a favorecer las composiciones verticales, así que el montaje simplemente encajó de inmediato."
Eso vale la pena mencionarlo, porque es lo mismo que termina diciendo cada artista que hemos entrevistado en sus propias palabras. El trabajo compuesto para la tabla se asienta de manera diferente a la obra adaptada a ella —la historia de los gráficos de tablas cubre por qué eso ha sido verdad durante cincuenta años.
De tus cuatro tablas con nosotros, ¿cuál está más cerca de tu corazón?
"De memoria diría 3 Sisters —simplemente porque creo que el personaje de la monja salió realmente bien."
"Aún mejor cuando alguien las critica"
Esta era la pregunta que más queríamos hacer. El arte audaz es fácil de amar en una pantalla y mucho más difícil de comprometerse con una pared —especialmente cuando el arte en cuestión es un pájaro con su dedo corazón levantado, o una tabla que simplemente dice FUCK THIS WAY.
¿Colgarías arte provocativo en tu propia sala de estar? ¿Qué le dirías a alguien que ama tu obra pero se preocupa por lo que pensarán sus invitados?
"Empecemos desde la idea de que una pieza de arte 'normal' —una que nunca se convirtió en un símbolo cultural— sigue siendo, y permanece, un buen dibujo.
Dicho esto, para mí es increíble cuando una pieza colgada en una pared hace más que simplemente llenar espacio: cuando logra provocar un comentario, incluso un '¡eso es asqueroso!', y abrir incluso un pequeño debate.
En mi estudio en casa estoy rodeado de mi propia obra, y con esas piezas siempre estoy en paz, en armonía. Pero es agradable cuando alguien las aprecia —y aún mejor cuando alguien las critica. Eso es siempre una razón para una conversación real."
"Es agradable cuando alguien las aprecia —y aún mejor cuando alguien las critica."
Es una forma útil de pensar sobre comprar arte en general. La mayoría de lo que pasa en la mayoría de las paredes se elige precisamente para que nadie diga nada al respecto: inofensivo, a juego con el color, seguro. Llena el espacio y luego desaparece.
Una pieza con dientes hace lo contrario. Les da a la gente algo a lo que reaccionar en el momento en que entran —y una habitación donde los invitados tienen algo de qué hablar es, en balance, una mejor habitación. (Si eres nuevo en el formato, nuestra guía de arte mural de skate cubre tamaños, formatos y cómo colgar.) Si has estado dando vueltas a una pieza audaz y dudando, esa duda es usualmente la señal de que la obra de arte realmente está haciendo algo.
Vale la pena agregar una nota práctica, ya que estas son piezas llamativas en el sentido estricto: quieren una pared para ellas mismas en lugar de un lugar en un grupo, y pertenecen en una pared clara en lugar de una oscura. La guía de color explica por qué.
Dónde encontrarlo
Las cuatro tablas de Stefano —Duck You, 3 Sisters, For the Future? and I Would Like to but I Can't. — están impresas en arce canadiense de Grado A, mate, con soportes de pared vendidos por separado.
Puedes encontrarlo en Instagram, TikTok, Pinterest y Giphy —solo busca @stebore91.
Gracias, Stefano. 🖤
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